Master de Formación Permanente en
Arte Dramático Aplicado
(5 sesiones impartidas por Juan Luis Mira)
Si entendemos la actuación como un juego de juegos donde el intérprete utiliza todos los medios a su alcance para recrear un personaje, impulsar un conflicto o desarrollar una situación establecida, una de las vías fundamentales para participar en ese complejo juego es, sin duda, la improvisación. La vida es un ejercicio de improvisación y si el intérprete quiere ser capaz de trasmitirla, desde un escenario o frente a una cámara, debe familiarizarse con los distintos elementos y fórmulas que confluyen en el código de la interpretación actoral. Porque la improvisación es el puente idóneo para llegar a la piel de ese personaje que debemos hacer nuestro, o para entender los elementos que integran y dan sentido a una secuencia o escena. Improvisar, incluso, para inventar lo que no se escribió o potenciar lo que llamamos la dramaturgia del actor: la capacidad que tiene un intérprete para crear más allá de las pautas que marca el guión. La improvisación, pues, es una materia imprescindible que este título de Experto en Arte Dramático Aplicado abordará desde diversos ámbitos para acercar al alumno a uno de los pilares básicos de la técnica actoral.
La práctica constituye otra parte esencial de esta titulación. Por ello planteamos un itinerario en el que la participación activa del alumno es fundamental. Así, abordaremos el montaje de escenas emblemáticas tanto del repertorio clásico como contemporáneo. Aplicaremos los conocimientos que, paralelamente, iremos adquiriendo en el estudio de la metodología de la técnica actoral, partiendo especialmente de las enseñanzas del maestro Stanislavski. Entraremos igualmente en los entresijos de la escritura escénica y los componentes que integran las claves de la dramaturgia y, por último, recalaremos en diversos aspectos relacionados con la aplicación de los códigos interpretativos en ámbitos tales como la docencia, la oratoria, la comunicación en general, o la propia dirección de actores.
Distribución en sesiones de 2 h. 30 m.
PRIMERA SESIÓN:
Introducción a las técnicas de improvisación. La comedia dell’Arte: improvisar desde el arquetipo y su traslación a la escena actual. La farsa como juego. Práctica de una situación establecida a partir de la elección de roles.
SEGUNDA SESIÓN:
Antes de que se abra el telón. Ejercicio de improvisación de creación del prólogo de una propuesta teatral. La improvisación para la creación de un personaje. El personaje y el actor. Hamlets/ Ofelias/ Anas/ Ricardos III. Trabajo práctico de variaciones sobre un mismo personaje. HAMLET (ACTO II, esc. IV). RICARDO III (ACTO I, esc. I). La improvisación como puente hacia el presente.
TERCERA SESIÓN:
Sobre el método Layton y Stanislavski. El trampolín del actor, el porqué del actor. El actor/persona como vehículo dramatúrgico. Claves para la desinhibición y el desarrollo de recursos técnicos. Los códigos y elementos fundamentales para el desarrollo lúdico de una propuesta teatral.
CUARTA SESIÓN:
Introducción a la práctica. Lectura y análisis de las escenas seleccionadas. Improvisaciones a partir de las propuestas. Montaje de escena, inter-relación y variaciones sobre un mismo tema.
QUINTA SESIÓN:
Ensayo/repaso de las propuestas. Representación de las escenas trabajadas.
BIBLIOGRAFÍA GENERAL:
STANISLAVSKI, CONSTANTIN. La construcción del personaje. Alianza. Madrid, 2002
LAYTON, WILLIAM. ¿Por qué? Trampolín del actor. Fundamentos. Madrid, 1990
JOHNSTONE, KEITH. IMPRO. Improvisación y el teatro. Cuatro vientos. Santiago de Chile, 1990
KOLDOBIKA, VÍO. Explorando el match de improvisación. Ñaque. Ciudad Real, 1996
BIBLIOGRAFÍA ESPECÍFICA: lecturas sobre las que se van a plantear improvisaciones.
SHAKESPEARE, W. Hamlet
SHAKESPEARE, W. Ricardo III
Dos sesiones de 2h 30m impartidas por César Oliva
Presentación de la asignatura
Esta asignatura tiene como objetivo que el alumno conozca y experimente técnicas básicas y específicas de interpretación para reforzar el entrenamiento actoral. Este curso es una oportunidad práctica para que los estudiantes apliquen el sistema Stanislavski tal y como se practica en el Actors Studio.
Contenidos
Sesión 1: La técnica del actor y el estímulo del comportamiento orgánico
TEMA 1: La actuación irreverente
La irreverencia para el actor significa dar validez a sentimientos e impulsos individuales en vez de servir el material de un modo intelectual.
TEMA 2: Obligaciones, elecciones y técnica
El proceso de trabajo del actor es el método por el cual se construye la interpretación, se llena el personaje, se identifican las obligaciones y responsabilidades hacia el material y se realizan elecciones para satisfacer las intenciones del autor. En este proceso, el actor debe llegar a un estado de experiencia y comportamiento en el que es afectado por estímulos internos y externos.
Actividad práctica
Ejercicios para desarrollar el SER
Ejercicios de irreverencia
Sesión 2: Análisis activo
Actividad práctica
Análisis de la acción trasversal y superobjetivo de la obra, así como análisis de objetivos y circunstancias dadas de las escenas propuestas.
(3 sesiones impartidas por Ana Sala)
El objetivo general es ayudar a ampliar la personalidad creativa del estudiante que investigará sobre su instrumento actoral a fin de ampliar su gama expresiva.
De forma específica la técnica DE ESCUCHA ACTIVA permite desarrollar la intuición, espontaneidad y el sentimiento creativo actoral del estudiante, aprendiendo a vivir real y sinceramente situaciones imaginarias en circunstancias extraordinarias.
Se pondrán en marcha “ejercicios de repetición” donde el actor focaliza su atención fundamentalmente en su compañero. Se busca el comportamiento “real” alejado de un tópica “actuación del hacer”, de la caracterización del personaje o de un análisis del texto. Para más adelante aplicar la técnica a un texto sencillo o improvisaciones avanzadas sobre una estructura dramática.
El actor aprende e incorpora la técnica, emergiendo al cabo del tiempo un ser humano más honesto con sus respuestas y con un instrumento más preparado para actuar verdaderamente en el sentido ya tradicional de la palabra.
Objetivos de los “Ejercicios de repetición”
“NO NECESITAS TRABAJAR “DURAMENTE” PARA ENCONTRAR COSAS GENIALES QUE SORPRENDAN A LOS DEMÁS. SIMPLEMENTE ESAS COSAS TE LAS DARÁ TU COMPAÑERO. TU TIENES QUE ESTAR ALLÍ ESCUCHANDO Y HABLANDO REALMENTE. VIVIENDO MOMENTO A MOMENTO Y DESCUBRIENDO QUIEN ERES REALMENTE EN CADA MOMENTO”
Objetivos de la Práctica escénica
Los objetivos generales que se pretenden alcanzar van íntimamente ligados a las diferentes etapas en las que el actor ha de poner en marcha (a través de los entrenamientos psicofísicos), su trabajo en función al texto dramático para la construcción de un personaje.
Y de entre los específicos:
METODOLOGÍA
Desde una perspectiva eminentemente práctica el alumno ha de ir adquiriendo herramientas para poder acceder a la práctica actoral de manera sencilla, prestando atención a la evolución teórico-práctica de las técnicas de entrenamiento actoral, así como a los análisis dramatúrgicos base del entendimiento del personaje en conflicto.
Se trabajará en torno a algunos textos de carácter contemporáneo o naturalista con el fin de ajustar al máximo las herramientas que aportan las técnicas.
(2 sesiones de 2h 30m impartidas por Isa Feliu)
Comparto con muchos de los maestros de la escuela realista la definición de actuar como “vivir de forma realista en las condiciones imaginarias que propone la obra”. John Strasberg añade a esta definición “como otra persona”, englobando además el trabajo de transformación del actor en el personaje y defiende que si el actor quiere crear vida, y la vida es espontánea, esta cualidad debería estar también incluida en esa definición.
Actuar, entonces, podría definirse como “vivir de forma espontánea y realista, como otra persona, en las condiciones imaginarias que propone la obra”. Para ello, el actor aprende a desarrollar intuitivamente un estado consciente que propicie la inspiración, la creatividad de forma espontánea. La preparación del actor tiene como objetivo alcanzar ese estado óptimo para el trabajo. La palabra "inspiración" hace referencia tanto al acto físico de la entrada del aire en el organismo durante la respiración, como al estímulo espontáneo que surge en el interior de un artista o creador.
Cuando la respiración es inhibida, se producen comportamientos inhibidos, tanto vocales, físicos, mentales como emocionales. La respiración es vida. Si inhibes tu respiración, inhibes tu vida. De ahí la importancia del trabajo vocal en la preparación del actor, no sólo para calentar la voz como parte del instrumento, sino también para alcanzar un estado más adecuado que favorezca además el otro tipo de inspiración.
La respiración puede ser inhibida por tensión. La tensión, tanto física como mental, limita la capacidad expresiva del actor, la imaginación, el pensamiento y la percepción a través de los sentidos. Limita la espontaneidad, que es la base de la vida.
Debido a que cada persona tiene sus propios hábitos y formas de acumular tensión, no existe una“receta”que podamos seguir para eliminar la tensión excesiva innecesaria que interfiere en la capacidad expresiva del actor y dificulta esos momentos de inspiración. Pero sí existe una serie de ejercicios y herramientas que exploraremos en las clases para que los actores puedan incorporarlas a su preparación.
El actor es su propio instrumento de trabajo, y en el desarrollo de su proceso creativo, el trabajo más importante es el que tiene que hacer con uno mismo.
Primera sesión (2h 30m)
Segunda sesión (2h 30m)
(Impartido por Paco Macià)
CONTENIDOS
1ª parte
2ª parte
